Relación figura- fondo: en el siguiente link puedes ver diferentes ejemplos de las distintas combinaciones entre la figura y el fondo, teniendo en cuenta las posibilidades de contraste (diferencia), mímesis (igualdad o similitud entre los elementos percibidos como fondo o como figura) o reversibililidad entre la o las figuras y el fondo (lo que se percibe como figura puede ser fondo o biceversa). Recuerden que la comparación se establece dentro de una misma imagen, ya sea fotografía, dibujo, pintura, grabado o cualquier otra técnica o disciplina dentro de las artes visuales.

Pincha aquí para ver las diapositivas, o copia en tu  y pega en tu navegador la siguiente dirección:

https://es.slideshare.net/agustinagalarraga75/relacin-figura-fondo-1er

LA FORMA BIDIMENSIONAL

ESPACIO BIDIMENSIONAL: 

es la  dimensión, extensión, relación entre los objetos, continente de los mismos. El espacio bidimensional es el que se desarrolla en las dimensiones de alto y ancho, es decir, en dos dimensiones. En este tipo de imágenes, se representa el espacio tridimensional por medio de los indicadores de espacio, y siempre se recurre a los artilugios.

  ESPACIO ESCULTÓRICO o tridimensional: organización que se da en el espacio físico como relación de volúmenes.   Estos pueden ser cóncavos o convexos. Este espacio se mide con las  tres dimensiones, que son alto, ancho y profundidad. Aquí, el espacio se presenta, está, no es necesario representarlo, pues es el real. Este espacio se debe construir teniendo en cuento todos sus lados, es decir, los 365 puntos de vista o ángulos de visión.

El espacio y la forma: formas planas, volumétricas y geométricas.

QUÉ ES LA FORMA?: (es el contorno, el área, el límite de algo) La figura siempre está  limitada por un contorno, ya sea por: puntos, líneas o planos.

Existen distintas clasificaciones para las formas

•          FORMA ABIERTA: figura que se integra con el fondo ya sea en su totalidad o una parte. Por ejemplo: contorno lineal abierto, plano abierto, contorno por puntos abierto, volumen abierto, etc. Ejemplos:

Sol LeWitt. American Incomplete Open Cube, 1974.

Francisco Goya. Saturno devorando a un hijo.

 

Botellas y cuchillo (Juan Gris)

•          FORMA CERRADA: figura que muestra una continuidad (cerramiento, solidez, carácter envolvente). Por ejemplo: contorno por puntos cerrados, contorno lineal cerrado, plano cerrado, volumen cerrado, etc. Ejemplos:

   

 

 Toshie Itabashi. Venus

•          FORMAS ORGÁNICAS: figuras formadas por curvas libres que dan la sugerencia de movimiento y son relativas a la naturaleza. Por lo tanto dan la sensación de vida, fluidez y desarrollo.

Ejemplos:

Tarsila do Amaral. Abaporu. 1928

Jean Arp (1886- 1966). Crecimiento

•          FORMAS IRREGULARES: figuras formadas principalmente por rectas. Esto quiere decir que pueden ser en su totalidad rectas o mixtas, pero siempre primando las rectas. dan la sensación de poco movimeinto y de artificio.

Ejemplos:

Wifredo Lam. Lisa Mona, 1950.

  

Emilio Pettoruti. Sol argentino. 1941

Naum Gabo. Cabeza construída número 2, 1917

•          FORMAS GEOMÉTRICAS: figuras construidas matemáticamente.

Ejemplos:

Piet Mondrian.

Broadway Boogie Woogie, 1943.

Fernando Quirós. Tiempo de Luz. 

Calvin Seibert. Escultura de arena

•          FORMAS CALIGRÁFICAS O GESTUALES: figuras tipográficas creadas a mano alzada o mecánicamente (impresión gráfica). Ejemplos. No siempre son letras, evidencian un gesto en la pincelada o el trazo.

Roy Lienchenstein. Brushstroke, 1996

   

León Ferrari. Serie Escrituras.

Mirtha Dermisache, “Nueve newsletters, un reportaje”.

Guardianes del Secreto

















Guardianes del Secreto•  Jackson Pollock, 1945.


          FORMAS ACCIDENTALES: creadas a partir de un hecho no intencional o azaroso.

Ejemplos:








Sabino Giusu. Artista que pinta con humo de diferentes materiales.




Jackson Pollock creador del dripping o chorreado

Arte, historia y mirada. Las funciones del arte. Material obligatorio 6to Año, 2018

A partir de la mirada sobre estas imágenes, podemos descubrir que el arte cumplió, cumple y cumplirá, distintas funciones dentro de su contexto de producción, es decir, en el tiempo y lugar en que son creadas. Podemos sospechar que podrían haber servido para propiciar la caza, la pesca, la fertilidad, representar deidades, mitos, obras literarias, nos brindan información de cómo podrían haber vivido, con qué ropas se podrían haber vestido, y qué peinados podrían haber usado, cierto grupo de personas de determinada época. El arte ha tenido funciones didácticas, para quienes no se les permitía acceder a la educación en determinada época... el arte nos sacude, nos saca de nuestras cómodas estructuras, y reflexiona o se rebela de las ataduras de cada época, cuestionándose a si mismo sobre qué es el arte, y qué arte es digno de mostrarse o si el arte siempre va de la mano de la  de la representación más o menos fidedigna, la técnica o el oficio, lo manufacturado, proponiendo así, en el arte conceptual, que lo que más importa son las ideas. El mensaje es la obra en sí misma.

Estas imágenes han sido compartidas en clase y los alumnos han reflexionado sobre ellas.

"EL ARTE ES UNA MENTIRA QUE NOS HACE VER LA VERDAD".Pablo Picasso.

                                                                                                                         

                                                       Pablo Picasso. (1881- 1973)

Venus de Willendorf (28.000 al 25.000 A.C.) Hallada en 1908. Estatuilla de 11 cm. de altura. Material: piedra caliza. Se encuentra en el Museo de Historia Natural de Viena.

Bisonte de la cueva de Altamira (España), data de aproximadamente 20.000 años (pintura rupestre).

Cueva de Chauvet, Francia. Descubierta en 1994, pues su entrada había estado sellada con rocas, conservando las pinturas en perfecto estado. Su antigüedad data de hace 32.000 aproximadamente

¿Qué funciones pudieron llegar a tener las representaciones de esas épocas? ¿Rituales? ¿propiciarían el alimento y la fertilidad? ¿Darían buena suerte? ¿los hombres y mujeres de esos tiempos remotos, ¿representarían animales para conocerlos mejor y así poder cazarlos y dominarlos? ¿o habrían estado deslumbrados por su belleza, ¿sentirían temor por ellos?

¿En qué contextos vivían los hombres y mujeres de esos períodos?

El arte representando dioses, mitos...

La Guerra de los Lapitas – Metopa del Partenón. Grecia. Siglo V A.C.

      La Guerra de Lapitas y centauros es un tema muy representado en los templos griegos y simboliza la victoria de la civilización frente a la barbarie.

      Sin embargo, no todos los centauros eran violentos y bárbaros, Quirón fue famoso por su ciencia y sabiduría, instructor de dioses y héroes como Heracles o Aquiles.

...no importa la época, los temas se retoman, como lo hizo Picasso en esta obra

Pablo Picasso. Lucha de centauros. 1947. Cerámica.

En otros momentos, el arte nos enseñaba sobre religión, como en este caso, la vida de Jesús, pudiendo afirmar que las imágenes cumplían una función didáctica.

¿Señor, a dónde vas tú?. Anibale Carracci. óleo. Año 1602. 

Se dice que esta pintura, fue realizada con fines de denuncia y protesta ante la crueldad de la guerra y sus responsables...

Pablo Picasso. Guernica. 1937. Museo Reina Sofía. Oleo sobre tela. 349.3 x 776.6 cm.

Artistas como Mike Dragas o Ron Mueck, representan de manera verosímil al hombre, en diferentes escalas. 

Mike Dragas en plena ejecución de su pintura. 

Big baby. Escultura. Ron Mueck

Rene Magritte, con su pintura, cuestionaba y ponía en juego conceptos sobre lo presentado y lo representado.

 Esto no es una pipa o La traición de las imágenes. Rene Magritte, 1929

Esta obra atribuída a Marcel Duchamp o Elsa von Freytag nos hace reflexionar sobre los objetos y el aura artística, los mensajes y conceptos academicistas sobre qué es considerado arte. 
https://es.wikipedia.org/wiki/La_Fuente_(Duchamp)

Joseph Kosuth, con su obra Una y tres sillas, evidencia sus preocupaciones sobre los objetos, lo representado y los conceptos.

Joseph Kosuth, Una y tres sillas, 1965

El arte es una mentira que nos hace ver la verdad. Pablo Picasso

EL ARTE ES UNA MENTIRA QUE NOS HACE VER LA VERDAD

por Pablo Picasso[1]

No puedo comprender la importancia que se da a la palabra investigación en relación con la pintura moderna. A mi modo de ver, buscar no quiere decir nada en pintura. Lo importante es encontrar. A nadie le interesa seguir a un hombre que, con la mirada puesta en el suelo, se pasa la vida buscando la cartera que la suerte puede ponerle en su camino. El que encuentre algo, sea lo que fuere, aun sin buscarlo, despierta al menos nuestra curiosidad, si no nuestra admiración.

Entre los varios pecados de que me acusan ninguno tan falso como el de que mi objetivo fundamental de trabajo sea el espíritu de investigación. Mi objeto al pintar es mostrar lo que he encontrado, no lo que estoy buscando. En el arte no basta con intenciones y, como decimos en español: obras son amores y no buenas razones. Lo que cuenta es lo que se hace y no lo que se tenía la intención de hacer.

Todos sabemos que el arte no es la verdad. Es una mentira que nos hace ver la verdad, al menos aquella que nos es dado comprender. El artista debe saber el modo de convencer a los demás de la verdad de sus mentiras. Si en su trabajo sólo muestra que ha buscado y rebuscado el modo de que le creyeran sus mentiras, nunca conseguiría nada.

Con frecuencia la preocupación de investigar ha hecho que se extraviara la pintura, y que el artista se perdiera en elucubraciones mentales. Quizá sea éste el defecto principal del arte moderno. El espíritu de investigación ha envenenado a los que no comprendieron bien todos los elementos positivos y decisivos del arte moderno y les hizo tratar de pintar lo invisible y, por consiguiente, lo que no se puede pintar.

Hablan de naturalismo en oposición a la pintura moderna. Me gustaría saber si alguien ha visto jamás una obra de arte natural. La naturaleza y el arte, por ser cosas diferentes, nunca podrán ser lo mismo. Con el arte expresamos nuestro concepto de lo que no es la naturaleza. Velázquez nos legó su impresión de las gentes de su época. Eran, sin duda alguna, diferentes de como las pintó, pero, no podemos concebir a Felipe IV de ningún otro modo que como lo pintó Velázquez. Rubens hizo también un retrato del mismo rey y en el cuadro de Rubens parece alguien totalmente distinto. Creemos en el de Velázquez porque nos convence con su fuerza superior.

Desde los primeros pintores, los primitivos, cuyas obras difieren de un modo evidente de la naturaleza, hasta artistas como David, Ingres y el mismo Bouguereau, que creían pintar la naturaleza tal y como es, el arte ha sido siempre arte y no naturaleza. Y desde el punto de vista del arte no hay formas concretas y abstractas: sólo hay formas que son mentiras más o menos convincentes. Es indiscutible que tales mentiras son necesarias para nuestra mente, pues a través de ellas formamos nuestro punto de vista estético de la vida.

El cubismo no es diferente de las demás escuelas de pintura. Los mismos principios y los mismos elementos son comunes a todas ellas. No significa nada el hecho de que durante largo tiempo haya sido incomprendido el cubismo ni que hasta hoy haya quien no vea nada en él. Yo no leo inglés; un libro inglés es para mí un libro en blanco, pero esto no significa que el idioma inglés no exista, y ¿a quién puedo culpar sino a mí mismo por no comprender algo de lo que nada entiendo? También oigo a menudo la palabra evolución. Con frecuencia me piden que explique la evolución de mi pintura. Para mí no hay en el arte ni pasado ni futuro. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente no se la debe tomar en consideración. El arte de los griegos, el de los egipcios, el de los grandes pintores que vivieron en otros tiempos, no es arte del pasado, quizá esté hoy más vivo que en ninguna otra época. El arte no evoluciona por sí mismo; cambian las ideas y con ellas su forma de expresión. Cuando oigo hablar de la evolución de un artista, me parece que le consideran como si estuviera entre dos espejos paralelos que reproducen su imagen un número infinito de veces, y que contemplan las imágenes sucesivas de uno de los espejos como si fueran su pasado, y las del otro espejo como su futuro, mientras que a su imagen real la ven como su presente, sin pensar que todas ellas son la misma imagen en diferentes planos.

Variación no significa evolución. Si un artista varía, su forma de expresión sólo quiere decir que ha cambiado su modo de pensar y este cambio puede haber sido para mejorar o para empeorar.

Las diversas maneras que he utilizado en mi arte no se deben considerar como evolución o como escalones hacia un ideal desconocido de la pintura. Todo lo que he hecho en mi vida ha sido para el presente, y con la esperanza de que siempre continúe en el presente. Nunca he pensado en el espíritu de investigación. Cuando he encontrado algo que expresar lo he hecho sin pensar en el pasado o en el futuro. No creo haber utilizado elementos fundamentalmente distintos en mis diferentes modos de pintar.

Si los temas que he querido expresar han sugerido maneras diferentes de expresión no he dudado nunca en adoptarlas. Nunca he hecho pruebas ni experimentos, siempre que he tenido algo que decir lo he dicho del modo que yo sentía más ajustado. Motivos diferentes exigen diferentes métodos de expresión. Esto no significa ni evolución ni progreso, sino una adaptación de la idea que se quiere expresar y de los medios de expresión. No existen artes de transición. Hay en la historia cronológica del arte periodos más positivos, más completos que otros. Esto quiere decir que hay épocas en que hay mejores artistas que en otras. Si se pudiera representar gráficamente la historia del arte como en una tabla de las que usan las enfermeras para anotar los cambios de temperatura del enfermo, se vería el mismo perfil montañoso, prueba de que en el arte no hay progreso ascendente, sino alzas y bajas que pueden ocurrir en cualquier momento. Lo mismo sucede con la obra del artista individual.

Muchos piensan que el cubismo es un arte de transición, un experimento que traerá resultados posteriores, los que así lo creen no lo han comprendido. El cubismo no es semilla ni feto, sino un arte que trata fundamentalmente de las formas, y cuando se crea una forma, ésta adquiere vida propia. Una sustancia mineral con forma geométrica, no toma esa forma con fines transitorios sino que continuará siendo lo que es y conservará su propia forma. Si aplicáramos al arte las leyes de la evolución y el transformismo tendríamos que reconocer que todo arte es transitorio. El arte, por el contrario, no entra en estos absolutismos filosóficos. Si el cubismo es un arte de transición estoy convencido de que lo único que saldrá de él será otra forma de cubismo.

Para darle una interpretación más sencilla se ha relacionado al cubismo con las matemáticas, la trigonometría, la química, el psicoanálisis, la música y otras tantas cosas. Todo ello ha sido pura literatura, por no decir sandeces, que trajo malos resultados y oscureció con teorías la visión de las gentes.

El cubismo se ha mantenido dentro de los límites y limitaciones de la pintura, sin que jamás pretendiera llegar más lejos. En el cubismo se practica el dibujo, la composición y el color con el mismo espíritu y de la misma manera que los comprenden y practican las demás escuelas. Puede que nuestros temas sean diferentes, pues hemos introducido en la pintura objetos y formas enteramente ignorados. Hemos abierto los ojos y la mente a lo que nos rodea.

Damos a la forma y al color todo su significado individual, en tanto como podemos; tenemos en nuestros temas la alegría del descubrimiento, el gozo de lo inesperado; nuestro tema es, en sí mismo, una fuente de interés. Pero, ¿para qué decir lo que hacemos si para enterarse basta con querer verlo?

GUÍA DE PREGUNTAS

1. ¿Por qué no tiene sentido hablar de investigación en pintura? 2. ¿Cómo se puede encontrar sin buscar? 3. ¿Cuál es el objeto del arte? 4. ¿Por qué el arte es una mentira? 5. ¿En qué sentido el arte nos hace ver la verdad? 6. ¿Por qué es imposible un arte natural? 7. ¿“Verdadero” y “convincente” son sinónimos para Picasso? 8. ¿Por qué sólo hay arte en el presente? 9. ¿Por qué no hay progreso en el arte?

---

[1] Declaraciones hechas a Marius de Zayas en 1923, aparecidas en mayo de ese mismo año en la revista The Arts de Nueva York.

Dalí, documental

La obsesión de un genio por la ciencia

Salvador Dalí sentía una profunda pasión por la ciencia. Su obra refleja los principales descubrimientos científicos del siglo XX: el psicoanálisis, la teoría de la relatividad, la fisión del átomo y la mecánica cuántica, el descubrimiento del ADN... Incluso su firma está directamente influida por una imagen científica.

Dalí era un lector ávido de publicaciones científicas: su biblioteca contiene más de cien títulos de muy diversas disciplinas. Además, durante toda su vida, el artista persiguió el encuentro con científicos de renombre: Sigmund Freud, James D. Watson (codescubridor de la estructura del ADN, premio Nobel 1962), Ilya Prigogine (premio Nobel de Química 1977) y muchos otros. 

Fue amigo de investigadores en física, matemática, biología... Los científicos se sorprendían al descubrir que, tras la fachada de excentricidad y provocación, había un artista brillante con quien podían mantener un diálogo fructífero a medio camino entre la ciencia y el arte. 

La obsesión de Dalí por la ciencia forma parte de su voluntad de trascendencia. El pintor, que no escondió nunca su miedo a la muerte, quería crear una obra genial que le hiciese perdurar en el tiempo. Utilizaba el lenguaje y los conceptos científicos para ir más allá del mundo tangible, para explorar nuevas dimensiones que superasen la realidad cotidiana. 

El documental incluye entrevistas (algunas muy poco conocidas), en las que Dalí habla de su pasión por la ciencia, así como imágenes inéditas del artista con científicos.

James D. Watson, Ilya Prigogine y otros investigadores rememoran su relación con el pintor. Algunos de los especialistas más importantes en el estudio de la obra daliniana destacan las influencias científicas que se pueden encontrar en una selección de obras del autor.

DIMENSIÓN DALÍ revela un aspecto desconocido de uno de los artistas más importantes del siglo XX y ofrece una nueva perspectiva para interpretar algunas de las obras maestras de Dalí. 

Documental de Joan Ubeda, Susi Marqués y Eli Pons



Destino, animación 

Destino es un cortometraje lanzado en 2003 por The Walt Disney Company. Destino es único por que su producción comenzó originalmente en 1945, 58 años antes de su conclusión final. El proyecto fue una colaboración entre el cineasta estadounidense Walt Disney y el pintor español Salvador Dalí. La música fue compuesta por el compositor mexicano Armando Domínguez e interpretada por Dora Luz.

Exhibición de Dalí

Lo clásico y lo moderno (material obligatorio para 6to año)

Conceptos de lo Clásico y lo Moderno

Lo clásico:

•        Ordenamiento racional y proporción formal.  Ej: Cultura griega y romana, el Renacimiento tomó elementos de ellas.
•        Los maestros renacentistas se convirtieron en “clásicos”. Literatura: Cervantes, Shakespeare, Molière, Dostoievsky. Música: Bach, Mozart, Beethoven. 
•      Arquitectura: órdenes dóricos, jónicos y corintios, romano compuesto y el toscano. 

Órdenes dóricos, jónicos, corintios y compuestos.

  Partenón, Grecia, Alrededor del S. V A.C.

Lo Moderno:  

• ·         Significa actual, nuevo, reciente, se contrapone con lo antiguo. Las transformaciones, el cambio, una nueva visión del mundo.
•       Necesidad de establecer diferentes parámetros para analizar el arte.
• ·         Crítico, reflexivo, de autoconciencia, lucha por ideales más humanitarios,
• ·         Desde fines del s XVIII hasta El último cuarto del XX
• ·         Arquitectura: movimiento moderno (International Style), en las primeras décadas del siglo XX. Utilizaban como materiales nuevos el hormigón armado, acero laminado y vidrio.
• ·         (Torre Eiffel, puentes, ferrocarriles)
• ·         Características de ortogonalidad (en planos y ángulos rectos), y ventanales divididos por perfiles de acero.  Walter Gropius, Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, KenzoTange, Gaudí (España)
• ·         El modernismo es una alternativa que sigue las pautas de William Morris, fundiendo las Artes Mayores (Arquitectura, pintura y escultura), con las artes aplicadas (decoración, diseño, mobiliario)
• ·         Innovaciones científicas: lámpara, la fotografía, sonido (Edison), Films (hermanos Lúmiere, radio.
• ·         La fotografía hizo que los pintores se desprendieran de la obligación de representar la realidad, o hacer retratos.
• ·         Los artistas pudieron interesarse en otras realidades o búsquedas:
•       Surgieron los primeros impresionistas ( Gauguin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, y Cezanne)

Cezanne: dice que todo en la naturaleza está tratado por el cilindro, el cono y la esfera

                                         SURGEN LAS VANGUARDIAS DEL S XX

  Gaudí. Iglesia de la Sagrada Familia, Barcelona

     Gaudí, La Casa Batlló

  Gaudí, La Casa Batlló

 Le Corbusier: Ronchamp, uno de sus trabajos más inusuales.

       William Morris

              Gauguin, El cristo Amarillo,1889 

.  Paul Cézanne, Manzanas y naranjas

 aul Cézanne,Carretera hacia la montaña de SainteVictoire1898-1902

Paul Cézanne,Carretera hacia la montaña de SainteVictoire1898-1902

   Van Gogh, La noche estrellada, óleo sobre tela, 1889, 73 × 92 cm